Pour beaucoup cette année restera salvatrice en symbolisant la fin du silence tant attendu de Radiohead. Depuis la parution de Hail To The Thief en 2003, la formation anglaise a pris l'habitude de ralonger le laps de temps entre deux sorties discographiques mais sans pour autant raréfier ses concerts. Malgré deux décennies entières à ne jamais passer une année sans se produire sur scène, le groupe choisit de laisser s'écouler une période bien plus longue et au combien inhabituelle avant d'annoncer un éventuel retour.
Suite à la sortie en 2011 de The King Of Limbs, disque controversé s'il en est, et après avoir passé toute une année sur les routes à le promouvoir, Radiohead s'accorde une pause méritée qui permit aux Anglais de s'atteler à d'autres projets. Amok, le premier album d'Atoms For Peace en profite ainsi pour voir le jour aux côtés de quelques travaux solitaires de certains membres. Jonny Greenwood choisissant de perdurer son étroite collaboration avec le cinéaste Paul Thomas Anderson tandis que Phil Selway et Thom Yorke sortent respectivement leurs deuxièmes efforts solo. C'est à l'automne 2014 que les musiciens choisissent de se retrouver au studio la Fabrique de notre douce Provence pour commencer le travail de ce fameux LP9, qui n'aura pas été une sinécure.

Par quatre fois il leur a fallu regagner le studio tandis qu'ils étalaient leurs sessions sur des mois entiers pour qu'enfin, début 2016, A Moon Shaped Pool soit finalisé. Radiohead en profita également pour enregistrer un morceau un peu à part. Spectre, titre qui devait initialement se retrouver au générique du James Bond du même nom mais qui devant le refus de l'équipe du film fut dévoilé en guise d'offrande de Noël la même année. On y découvre un Thom Yorke à la voix suave, rappelant certains passages d'Amnesiac, et dont les douces notes de piano font écho à l'orchestre philharmonique remarquablement mis en lumière au fil du morceau.
En parallèle à cela, Radiohead ne sera pas plus transparent qu'à son habitude sur son activité en studio mais pas de quoi décourager la horde de fans parée à la moindre fuite d'information. Un culte du néant entretenu avec ferveur par sa communauté tandis que le groupe n'a qu'à se frotter les mains entre quelques rares interventions rappelant celui qui gravite autour de Tool, dont la dernière sortie en date remonte à plus de dix ans à présent... C'est alors que sans crier gare, le groupe efface toute trace de sa présence sur internet. Une activité (ou absence d'activité) qui annonce la sortie imminente du neuvième album. Après avoir fait table rase de son passé, les informations sur LP9 vont rapidement tomber à commencer par Burn The Witch, le tout premier extrait dévoilé, suivi de près par Daydreaming pour que finalement A Moon Shaped Pool soit officialisé.

Les pincements de cordes et la ligne de basse de Burn The Witch nous placent rapidement en orbite en nous rappelant les plus importantes expérimentations des Anglais durant cette dernière décennie. L'atmosphère oppressante bien que fascinante que dégage le titre d'ouverture laisse place à Daydreaming et ses notes de piano éthérées. Jonny y démontre une nouvelle fois son talent de façonneur du son avec son acolyte Yorke qui prit le pari réussi de distordre sa voix à la manière de Sigur Rós afin de s'en servir comme d'un instrument supplémentaire. À côté de quoi il n'est guère déroutant d'entendre de multiples irruptions philharmoniques comme sur le reste d'A Moon Shaped Pool puisque Radiohead a souvent eu coutume d'enregistrer avec un orchestre par le passé. Ce morceau n'est pas seulement en tous points réussi, il est surtout l'élément qui déclencha l'inspiration pour cet album. Un noyau central brillamment illustré par Paul Thomas Anderson.
Decks Dark est donc chronologiquement le premier titre inédit pour ceux qui, comme moi, n'ont pas su résister à l'envie de découvrir le chemin parcouru par le groupe à travers les deux premiers extraits. Ce troisième est pour une majorité le meilleur de l'album puisque la bande d'Oxford y distille ce son chaud et classieux qui fit l'unanimité sur In Rainbows tout en y incorporant cette méticulosité propre à A Moon Shaped Pool. Un titre rassembleur, dont il serait dommage de seulement résumer l'album ainsi, avant de nous perdre dans l'inconnu le plus total, ou presque. Pour les inconditionnels du groupe, certains noms paraîtront plus familiers que d'autres. Il est pourtant intéressant de constater l'évolution de ces morceaux tels que Ful Stop et Identikit qui furent interprétés à l'occasion de la tournée précédant l'enregistrement et qui au fil de sessions répétées ont perdu nombre de leurs éléments au profit d'un arrangement nouveau. Quelques années ont suffi à les muter en une nouvelle entité mais pour ce qui est de Present Tense, dont la réelle composition remonte à 2008, ce processus aura été bien plus long.
À travers Desert Island Disk et Glass Eyes se dégage un côté organique et émouvant de sincérité qui transparaît tout particulièrement sur True Love Waits dont vous avez sans doute entendu "cette version live de merde" (dixit Nigel Godrich) de I Might Be Wrong: Live Recordings. Seul reste Thom Yorke se mettant à nu face à son piano pour un moment de pure intimité comme rarement Radiohead a su en offrir.

Sans réelle surprise, puisque cela fait plus de 20 ans qu'il jouit d'une confiance aveugle, c'est à Nigel Godrich que l'on doit cette production si minutieuse. Son travail joue ici un rôle-clé dans l'immersion de ce nouveau chapitre de la carrière des Anglais. Une politique conservatrice qui contraste avec l'évolution qu'ils ont su prendre par le passé. Pourtant, nul autre approche n'aurait davantage convenu après ces années qui nous auront paru bien longues avec l'arrière-goût synthétique laissé par The King Of Limbs.
Il est à présent difficile de se projeter dans l'avenir tant le groupe peine à nous rassurer sur le sujet. Nul ne sait si un LP10 verra le jour alors tachez d'apprécier cet album à sa juste valeur, si ce n'est pas déjà le cas. Une œuvre minimaliste, certes, mais qui n'en reste pas moins réussie de bout en bout, se voulant à l'image de Daydreaming : Juste.

  Le diable se cache dans les détails. Tel est l'adage que Radiohead s'est forgé pour leitmotiv au moment de la composition de son septième album, trop effrayé à l'idée d'accoucher à nouveau d'un disque dans le sang, la sueur et les larmes comme ce fut le cas par le passé. La quête de l'essence devient donc désormais la priorité absolue des natifs d'Oxford, et va corollairement engendrer cette fois-ci le sacrifice du côté ultra-achevé qui empreint tant la plupart des titres de leur répertoire.

  Un album intime et sec, voilà ce que dévoile dès lors In Rainbows. Un Kid A où le synthétique ne se taillerait plus fermement la part léonine et laisserait une digne place à la chaleur plus palpable des amplis à lampes. Un disque où la machine s'incarne, et dans lequel le rythme occupe donc une place primordiale.  D'ailleurs, juste avant sa sortie, les déclarations de Thom Yorke préfiguraient déjà ce caractère. Selon lui : "Si Radiohead avait pu faire un album uniquement rythmique, alors il l'aurait fait sans hésiter".
 
  Ainsi, dès les premières écoutes, on ne s'étonne plus guère de voir les instruments se muter en véritables boucles. Les saccades du très bon 15 Step ouvrent le bal, propageant un groove étrange dont les guitares proto-bossa nova sont dégagées de tout exotisme pour n'en garder au final que le raffinement cool. En outre, l'idée de départ d'In Rainbows va provoquer la mutation de la batterie de Phil Selway en véritable flèche tendue, en faisant ainsi un parfait support pour des guitares tantôt sinusoïdales et crépitantes de distortion (Bodysnatchers), tantôt perlantes dans un flux d'arpèges cristallins comme une version rock d'un arrangement du Vespertine de Björk (Weird Fishes). Radiohead veut donc cavaler, quitte même à enjamber le destrier acoustique au nom du très pop Jigsaw Falling Into Place. Mais la démarche peut aussi se révéler nettement moins plaisante, à l'image d'un House Of Cards plat et bien loin de justifier ses 5 minutes 30 en raison d'arrangements beaucoup trop limités.
  La focalisation rythmique n'est pas pour autant une révolution dans le monde de la musique. Dans les années 70, elle animait déjà vigoureusement la scène krautrock dont l'influence sur Radiohead est de notoriété publique. De fait, In Rainbows est une aubaine pour le quintet de la faire sentir ostensiblement via la section rythmique très "Can" et très classe de Reckoner, morceau sur lequel la bande de Yorke va naturellement apporter sa touche émotionnelle caractéristique pour en faire l'un des titres les plus réussis de l'album.
  Le souci de simplicité conduit également Radiohead à des moments encore plus épurés. Le folk apaisant et direct à la Nick Drake de Faust Arp en est le témoin, tout comme le moment fort ressorti des tiroirs de l'époque Ok Computer, retravaillé pour l'occasion, et dans lequel Yorke fait montre de tout son talent (Nude). On peut quand même regretter sur ce titre les cordes un peu trop larmoyantes et gâchant son potentiel maximal. Probablement le revers de la médaille du fameux "premier jet".

  Malgré tout, la touche mélancolique typique du son des Anglais n'échappe pas à In Rainbows, en dépit de son titre. All I Need en est la preuve. Aussi groovy que glaciale, cette piste quasi trip-hop rend un bel hommage au voisin écossais et pilier de l'électro/IDM qu'est Boards Of Canada (cf le Roygbiv de Music Has The Right To Children). Idem enfin pour le titre de clôture – traditionnellement hanté chez Radiohead – où Thom Yorke proclame la Fin dans un vibrant piano/voix que Jonny Greenwood vient à terme parasiter de ses boucles déliquescentes et confinant à l'arythmie (Videotape).

  Après le disque crypto-rétrospectif qu'était Hail To The Thief, on remarque donc une fois de plus chez Radiohead le désir de se porter vers l'avant, en tout cas vers la spontanéité la plus féconde possible. In Rainbows est un album indéniablement clivant, déroutant, mais ce n'est cependant pas la première fois dans l'histoire du groupe qu'une telle chose se produit. Cette volonté de retrouver l'exaltation que l'on peut éprouver face à la découverte du diamant brut est loin d'être la démarche la plus aisée. Sans triompher comme il a pu le faire autrefois, on peut affirmer néanmoins que Radiohead s'en tire ici plus qu'honorablement.

Beaucoup avaient été déçus, troublé ou déroutés par les très électro Kid A et Amnesiac et attendaient beaucoup, ou au contraire n’attendaient plus rien, de cet album. A mes yeux, il apparaît comme sublime … il en arriverait presque à détrôner Ok computer, mais il reste des intouchables. L’héritage des deux précédents efforts semble digéré et est utilisé avec talent et plus judicieusement que par le passé et ne se résume plus qu’à une influence, une liberté que se permets le groupe. Car Hail to he thief annonce le grand retour de guitares saturées et de basses endiablées. Les machines reculent et font place à un son plus direct, organique, énergique et sincère … pour certains le retour de Radiohead, pour d’autres une simple continuité.
2+2=5 … l’incohérence semble pièce maîtresse et pourtant tout semble si logique. On ne peut que se plier à la volonté de la mélodie, sans un seul espoir d’y échapper. On nous impose nos émotions, la dictature de la fibre sentimentale est établie et qui oserait la défier ? Sûrement pas moi, surtout quand Thom Yorke est au pouvoir. Ses méthodes n’ont rien d’exemplaire … manipulation, hypnotise, torture … tout en ignorant les conventions internationales. Prendre aux tripes est un art, Radiohead y excelle. Résister est-il possible ? S’organiser, combattre et finalement penser vaincre. Mais on ne domine pas aussi facilement la mélodie, on peut seulement en être esclave. Impuissant face à un tel déploiement de forces mélodiques, électroniques et électriques on se laisse finalement envahir et annexé. Le groupe bâti sa demeure dans notre imaginaire en nous terrifiant ou en nous montrant la lumière. La cellule de notre esprit semble avoir une issue, l’évidence en devient envahissante avec Hail to the thief … la carte nous guidant vers la sortie est entre nos mains !
Where I end and you begin … tout est dit. Là où s’arrête notre pouvoir commence celui de Radiohead et qui oserait en douter ? Le chant déchirant, basses et guitares si savamment dosées enrichis pas boîtes à rythme et samples, piano, capable de paralyser comme d’éveiller notre conscience et batterie organique, rythmant la marche. Peut-on rêver de meilleur guide ? Mais la mélodie ou l’agressivité ne peuvent que monter la voie … libre à nous de l’emprunter. Mais le chemin est mal éclairé, on se perds facilement dans ces nuées sonores. Facile également de mesurer à quel point l’album est une réussite. L’univers construit d’album en album se renforce à chaque opus … l’apogée est-elle atteinte ? L’expérimentation électro et la tradition pop-rock se rejoignent en un lieu maintenant défini : Hail to the thief.
We suck young blood … blessé par la musique, c’est inévitable. L’indifférence ne peut s’appliquer ici. On s’enfonce lentement dans un masochisme jouissif, on en redemande même. L’émotion est saisissante mais reste insaisissable, on ne mène pas la danse, on la subit. Comme bourreau on aura vu pire, la sentence n’en reste pas moins omniprésente : esclave, les neurones parcourus par les notes et ce pour 56 minutes et 37 secondes.
« Vous êtes ici ! » … En avez vous même conscience ???

  Depuis 1995, les choses vont bon train pour Radiohead. Peut-être trop. De stades en salles mythiques, les anglais jouent partout et n’échappent plus à personne. Ils se retrouvent parachutés dans une hype colossale autoalimentée par le hit viral qu’est Creep, indissociable sésame qui leur permet d’écouler énormément d’exemplaires de The Bends sans qu’ils aient à justifier le moins du monde de son contenu, par ailleurs brillant. Cette position aurait conforté n’importe quel artiste intellectuellement pantouflard (la carrière d’Oasis en est l’illustre exemple), mais ce n’est heureusement pas le cas pour Radiohead à l’aube de son tant attendu troisième opus. Bien décidé à briser ce charme des masses, le combo d’Oxford va s’enfermer dans un manoir réputé hanté afin d’exorciser ses démons et clarifier ainsi sa démarche. L’ectoplasme merveilleux qui nous en parvient, c’est Ok Computer.

  Cet album est effectivement la manifestation d’une volonté presque paranormale d’amplitude musicale, d’un côté aérien qui sera la plateforme idéale d’un Radiohead plus intimiste encore que par le passé. Les mélodies y seront juste somptueuses, car méthodiquement travaillées et disséquées sous l’égide d’un Jonny Greenwood  qui va assumer son rôle de bidouilleur du son. Les morceaux s’en trouvent de fait incroyablement enrichis via l’utilisation de xylophone, de rhodes, d’orgue mellotron, de piano, de claviers ou diverses distorsions soniques de radios trafiquées. Les guitares semblent, quant à elles, provenir d’autres sphères, lointaines et oniriques (Airbag) accompagnées par un Thom Yorke qui catalyse les émotions avec maestria. Radiohead nous offre tour à tour des perles poignantes et naïves (Let Down, No Surprises), une ballade subaquatique des plus enivrantes (Subterranean Homesick Alien), ou encore une envolée paisible et lumineuse à souhait (The Tourist). Mais le groupe est simplement irrésistible quand ses titres s’articulent autour de la mélancolie, tel le monumental Exit Music (For A Film) grave et solennel, ou Lucky et son break lancinant/résigné ultra perforant.

  A l’image de la pochette, Radiohead est une entité déconcertée par le monde qui l’entoure, dans lequel tout va trop vite, où toute mécanique sociale est parfaitement huilée jusqu’au dernier rouage. L’intermède Fitter Happier en est le témoin, sorte de voix robotisée énonçant implacablement les "tables de la loi" de l’homme occidental moderne(iste), le tout sur un air de piano des plus glacial. De ces peurs, Radiohead contractera une sorte de schizophrénie qu’il appliquera jusqu’au sein de ses morceaux. Paranoid Android, cynique premier single d’une durée totale de 6 minutes 30, se décompose ainsi en trois mouvements judicieusement interposés. Un premier tiers quasi-acoustique et délicat laissant place à la distorsion furibarde, pour finir enfin sur une complainte épique dont Thom Yorke a le secret. Cependant les embardées rock’n’roll seront rares, voire anecdotiques sur cet album (le titre Electioneering un peu hors de propos), laissant globalement les mélodies se tailler la part du lion.

  Ok Computer marque non seulement un premier tournant décisif dans la carrière de Radiohead, mais il imprègne de manière indélébile le rock des années 90. Le groupe va se désolidariser clairement du reste de ses congénères par une recherche active d’univers sonores sensibles et profonds. En dépit de leurs efforts, un nombre conséquent de personnes cherchera désespérément à l’époque un nouveau Creep, chose qu’ils obtiendront en se rabattant aveuglément sur Karma Police. Mais à Oxford, on est loin d’avoir dit son dernier mot.

  Replaçons-nous dans le contexte. Fin 94, le single Creep atomise littéralement les ondes et s’incruste avec vigueur au sein de millions de tympans, la bande originale du film asiatique Cyclo conférant une nouvelle jeunesse au titre. C’est en réalité une véritable aubaine pour Radiohead, ce buzz coïncidant idéalement avec la sortie imminente de leur deuxième opus : The Bends. Promotion atypique puisque décalée, la composition de ce nouveau disque n’a nullement souffert d’une quelconque pression, et préfigure déjà ce que va devenir la carrière de Radiohead : l’envie d’aller toujours plus loin.

  Le premier constat qui s’impose aux premières écoutes est le gain de confiance et de maturité depuis Pablo Honey. Radiohead est, en effet, beaucoup moins maladroit tant au niveau vocal qu’instrumental, comme moins complexé par l’héritage de ses illustres aînés. Les natifs d’Oxford ont enfin trouvé leur personnalité, archétype d’un rock mélodieux, sensible, mais si paradoxalement urbain. C’est ce qui va permettre à Thom Yorke de sortir de sa chrysalide et développer enfin ce timbre aigu unique, touchant, splendide, et transcendé par les doutes que lui procurent les comportements sociaux issus de la modernité.

  The Bends, c’est aussi douze titres qui allient le folk et l’électrique de la plus judicieuse des manières, avec pour leitmotiv des mélodies qui harponnent au point de devenir de véritables classiques du rock (Fake Plastic Trees, High And Dry). Mais c’est également une pop vaporeuse et stellaire gavant vos poumons d’oxygène jusqu’à l’étourdissement (Nice Dream, le fabuleux Bullet Proof). En outre, les anglais font preuve de leur habileté à élaborer des morceaux délicieusement lumineux, reliquats digérés et améliorés de leur passion de longue date envers REM (The Bends, Black Star). Cette ampleur nouvellement acquise par le groupe n’est toutefois pas le seul fait de son frêle leader. La patte du guitariste Jonny Greenwood  devient incontournable, garante de l’énergie incontrôlable de Radiohead avec ses accès nerveux reconnaissables entre mille (Just, My Iron Lung).
  Que dire enfin de ce magistral point final qu’est Street Spirit. Celui-ci s’inscrit simplement parmi le panthéon de leur répertoire tant la mélancolie y est sublimée. Quatre minutes émotionnellement irrésistibles, quatre minutes ultimes dont il s’avère difficile de se remettre.

  Là où ses détracteurs ne voyaient avec Creep qu’une énième chanson générationnelle reflet du mal-être adolescent, Radiohead confirme avec The Bends que l’on peut attendre beaucoup plus de sa part, à savoir une réflexion plus profonde et des morceaux tout aussi inspirés voir plus. Difficile de croire à ce moment-là que leur marge de progression est colossale. Et pourtant…

   Nous sommes en 1993, alors qu'une vague grunge sévit sur la scène rock, Nirvana et les Melvins en tête, Radiohead sort son 1er vrai album, Pablo Honey. Si à l'époque il marque les esprits, c'est grâce à sa recette plus que classique: trois guitares, basse, batterie, mélodies pop et refrains accrocheurs. Mais il serait trop facile de qualifier le quintet d'énième groupe à guitares, car à l'écoute de ces 12 titres, on sent un grand potentiel.
 Le groupe puise à la fois dans le post punk/cold wave de Joy Division, la pop mélancolique des Cure ou le sens rythmique des Pixies, en y intégrant la base de la musique des années 90's: des guitares distordues, et un son plus brut.
 Mais le réel engouement du public pour cet album est sans nul doute dû au deuxième single du groupe, Creep: tube interplanétaire, il deviendra vite l'emblème du groupe grâce à une mélodie implacable et un chant terriblement empreint de mélancolie.
 On trouve également des ballades pops, acoustiques, de bonne qualité et assez inspirées, mais malheureusement, l'album souffre d'un défaut majeur, l'inconstance: car si on y découvre des perles mélodiques, beaucoup de titres se révèlent vite peu intéressants, voire relativement plat. Trop d'influence pop, de structures classiques détruisent des chansons comme How Do You, Proove yourself, Lurgee...
 L'album souffre de la comparaison avec ses successeurs, et au final, on reste avec un goût amer en bouche: on aurait aimé plus de 'blow out' ou de 'Thinking about you', mais on connait l'histoire du groupe, et on ne peut qu'être indulgent; les musiciens sont jeunes, et le groupe se cherche encore, les arrangements ne sont pas encore là, mais l'âme du groupe est bien présente. Mais tout ça n'a pas d'importance, car désormais on le sait, Radiohead est en marche.